La Procura di Roma ha aperto un’inchiesta per omicidio colposo dopo la morte di una bambina avvenuta prima della nascita all’ospedale Ospedale Fatebenefratelli Isola Tiberina.

Secondo quanto ricostruito, la gravidanza della donna, una 36enne romana, sarebbe proseguita regolarmente per mesi, con controlli e accertamenti risultati nella norma.

Il parto era previsto per il 26 aprile, ma sarebbe stato rinviato. Alla coppia, stando alle informazioni disponibili, sarebbe stato riferito che non vi erano particolari motivi di allarme.

Nei giorni successivi, però, i monitoraggi avrebbero evidenziato un peggioramento improvviso fino alla scoperta della morte della bambina in utero. Il parto sarebbe stato poi indotto il 4 maggio.

Il marito della donna ha presentato denuncia alle autorità, chiedendo che venga fatta piena chiarezza sulla gestione clinica della vicenda e sui tempi dell’intervento medico.

La Procura ha disposto l’autopsia per accertare le cause del decesso e verificare eventuali responsabilità lungo il percorso assistenziale.

Al momento non risultano persone indagate. Le indagini sono in corso.

Andrea Sempio è tornato a parlare pubblicamente del delitto di Chiara Poggi, dopo la recente iscrizione nel registro degli indagati nell’ambito della nuova fase investigativa sul caso.

Nel corso di un’intervista televisiva, Sempio ha ribadito con fermezza la propria estraneità ai fatti: “Non ho commesso l’omicidio”, ha dichiarato, sostenendo che la sua posizione non sia cambiata nel tempo nonostante gli sviluppi dell’indagine.

L’uomo ha commentato anche alcuni elementi finiti al centro dell’attenzione investigativa, comprese intercettazioni e vecchi messaggi personali, ammettendo che alcuni comportamenti possano aver contribuito a costruire un’immagine ambigua di lui.

“Ho fatto il mio per sembrare un tipo strano”, ha spiegato, aggiungendo che molte conversazioni e contenuti emersi andrebbero contestualizzati meglio.

Sempio ha poi parlato del rapporto con Marco Poggi e con la famiglia della vittima, dicendosi convinto che non abbiano mai realmente creduto a un suo coinvolgimento nel delitto, nonostante l’enorme pressione mediatica legata al caso.

Nel suo intervento non sono mancati riferimenti anche al peso psicologico dell’inchiesta, che — secondo quanto raccontato — avrebbe inciso profondamente sulla sua quotidianità negli ultimi mesi.

L’indagine intanto prosegue, mentre il caso Garlasco continua a restare uno dei più discussi e seguiti della cronaca giudiziaria italiana.

Barbara D’Urso è tornata a parlare pubblicamente del suo addio a Mediaset, riaccendendo il dibattito attorno a una delle separazioni televisive più discusse degli ultimi anni.

Nel corso di una recente intervista, la conduttrice ha fatto riferimento all’esistenza di chat e conversazioni private, sostenendo di aver subito un trattamento particolarmente duro dopo l’interruzione del rapporto professionale con l’azienda.

Tra i passaggi più delicati ci sono anche le dichiarazioni relative a presunti veti professionali, che — secondo il suo racconto — avrebbero complicato possibili collaborazioni future, compresi alcuni progetti televisivi esterni.

Al momento, da Mediaset non sono arrivate repliche ufficiali. Secondo indiscrezioni riportate nelle ultime ore, all’interno dell’azienda la linea scelta sarebbe quella del silenzio, ritenendo la vicenda già chiara sul piano interno.

Parallelamente, Barbara D’Urso starebbe lavorando a una docuserie personale, pensata per raccontare sia la sua carriera sia il periodo successivo all’uscita dalla rete. Un progetto che, secondo alcune ricostruzioni, potrebbe includere anche la sua versione dei fatti sullo scontro professionale.

La vicenda resta aperta anche sul piano legale, con possibili sviluppi che potrebbero evolversi lontano dai riflettori pubblici. Nel frattempo, l’attenzione mediatica attorno alla conduttrice continua a rimanere alta, tra indiscrezioni, strategie editoriali e ipotesi sul suo futuro televisivo.

Donald Trump ha dichiarato che la posizione degli Stati Uniti nei confronti dell’Iran resta estremamente rigida, affermando che il Paese dovrà accettare un’intesa oppure affrontare conseguenze definite “estreme”.

Le dichiarazioni arrivano mentre il presidente americano sostiene di aver raggiunto nuovi accordi commerciali con la Cina guidata da Xi Jinping, anche se senza fornire dettagli operativi sulle intese.

Parallelamente, da Teheran è stato diffuso un messaggio del portavoce del ministero degli Esteri iraniano che fa riferimento a tradimenti e possibili rivelazioni pubbliche, aumentando il livello di tensione diplomatica.

Il quadro complessivo resta delicato, con dichiarazioni incrociate che alimentano ulteriormente l’incertezza sul piano geopolitico internazionale.

Belén Rodríguez è stata ospite di È sempre Mezzogiorno, dove ha parlato apertamente della sua situazione sentimentale e della sua vita privata.

Durante la conversazione con Antonella Clerici, la showgirl ha rivelato di essere single da circa due anni, commentando con ironia: “Questo è un evento”.

Belén ha spiegato di stare bene anche senza una relazione stabile, sottolineando come oggi preferisca vivere una fase più tranquilla e lontana dalle pressioni sentimentali.

Nel corso dell’intervista ha parlato anche dei figli, Santiago e Luna Marì, raccontando il proprio approccio alla maternità e definendosi una madre severa ma attenta. Non è mancato un riferimento all’ex marito Stefano De Martino, con cui continua a condividere il rapporto genitoriale legato al figlio.

La showgirl ha inoltre affrontato il tema della fragilità personale e della pressione legata al mondo dello spettacolo, spiegando quanto sia difficile mantenere sempre un’immagine perfetta davanti al pubblico.

Nel finale, spazio anche al futuro professionale. Alla domanda sui rumor che la vorrebbero al timone de L’Isola dei Famosi, Belén non ha chiuso la porta: ha ammesso che l’idea le piacerebbe, pur senza confermare alcun accordo ufficiale.

Nuovi elementi emergono dall’inchiesta bis sul delitto di Garlasco, in cui l’unico indagato risulta Andrea Sempio.

Secondo la Procura di Pavia, il 38enne non sarebbe passato casualmente davanti alla villetta dove venne uccisa Chiara Poggi nel pomeriggio del 13 agosto 2007. I magistrati ritengono infatti che alcune dichiarazioni rese negli anni dall’indagato siano “palesemente inverosimili” rispetto alla ricostruzione dei tragitti effettuati quel giorno.

Al centro delle contestazioni c’è il racconto fornito da Sempio riguardo a un passaggio in auto insieme al padre nei pressi di via Pascoli, la strada della villetta dei Poggi. Secondo gli inquirenti, il percorso descritto non giustificherebbe il transito davanti all’abitazione, che si trovava in una direzione diversa rispetto alla destinazione indicata.

Per la Procura, il fatto che l’indagato abbia dichiarato di essere tornato nuovamente nella zona dopo aver appreso della presenza di ambulanza e forze dell’ordine rappresenterebbe un elemento da approfondire.

Nel frattempo gli investigatori hanno tentato di recuperare vecchi contenuti digitali legati a un profilo Facebook chiuso da Sempio nel 2017. Per questo motivo è stata attivata una rogatoria internazionale verso gli Stati Uniti per ottenere dati da Meta. Secondo quanto emerge dagli atti, però, l’operazione non avrebbe prodotto risultati utili.

L’indagine resta in corso e sarà il percorso giudiziario a stabilire il peso effettivo degli elementi raccolti dalla Procura.

Con “HO SOLO 64 BARRE (Red Bull 64 Bars)”, Capo Plaza inaugura la nuova stagione del format firmato Red Bull, tornando all’essenza più pura del rap: zero filtri, zero ritornelli, solo verità. Un flusso diretto che ripercorre il suo percorso, dalle origini a Salerno fino al vertice della scena urban italiana, mettendo a fuoco il dualismo tra successo e isolamento.

Reduce da un periodo particolarmente prolifico, l’artista continua a ridefinire il proprio linguaggio, alternando introspezione e consapevolezza. In questa conversazione, ci racconta come ha affrontato la sfida delle 64 barre, cosa significa oggi restare “Luca” dietro il nome Capo Plaza e quali sono i sogni che lo spingono ancora avanti.

Red Bull 64 Bars sono uno spazio crudo, senza filtri. Come hai approcciato questo formato rispetto a un singolo tradizionale?

Non ti nascondo che è stato impegnativo: 64 barre non sono una cosa semplice. All’inizio avevamo una versione diversa, poi ne abbiamo fatte diverse perché volevo che fosse davvero un 64 Bars, non qualcosa fatto tanto per.

L’approccio è stato completamente diverso rispetto a un singolo tradizionale: abbiamo lavorato su più beat, cercato la struttura giusta e una direzione che convincesse me e il mio team. È stata una sfida vera.

Un concetto che torna è l’aver raggiunto molto di quello che volevi, pur essendo ancora giovanissimo (“Mentre gli altri facevano vent’anni io facevo 20”). Che sogni hai ancora?

Ne ho ancora tanti. Mi sento al 30% del mio percorso: ho 27 anni, quasi 28, e ho iniziato ad avere successo a 19/20.

Diventare padre è uno dei miei sogni più grandi. Poi voglio continuare a crescere, anche oltre la musica: il mio obiettivo è costruire qualcosa che funzioni quanto la musica, ma che non sia la musica.

Nel tuo Red Bull 64 Bars dici: “Ero solo Luca, non mi credevi che l’avrei fatto”. Quanto conta per te oggi restare “Luca” dietro Capo Plaza?

Non mi pesa per niente, perché io sono Luca anche adesso. Non c’è differenza tra Luca e Capo Plaza: sono la stessa persona.

Capo Plaza è semplicemente Luca che tutti conoscono.

Parli di sogni che si avverano e allo stesso tempo non ti soddisfano (“quello che ottengo nemmeno lo voglio…”): è più disillusione o consapevolezza?

Direi più consapevolezza. Però è una linea sottile: a volte può sembrare disillusione, ed è una lotta che vivo ancora tra queste due cose.

Nei versi dici “ho detto ciò che avrei fatto e dopo sono stato tutto ciò che ho detto”: credi di aver completato un ciclo?

Completato no, però è sicuramente un punto importante. Mi sento ancora giovane, ma anche molto più tranquillo mentalmente.

Sono consapevole, in pace, so quanto valgo e so anche quanto posso perdere.

In chiusura ripeti “Ho solo 64 barre” come se, tra tutte le conquiste, l’unica verità restasse la musica. È così?

Sì, è proprio così. Alla fine ho solo 64 barre per dire quello che penso.

È una frase metaforica, ma il senso è quello: questo è il mio modo per esprimermi, per trasmettere qualcosa. Devo essere abbastanza all’altezza da farmi capire da chi mi ascolta.

Quindi è nello studio che ti mostri davvero?

Non solo nello studio, però è lì che riesco a essere nella mia forma migliore. Non sono uno che parla tanto: io parlo con la musica.

I miei sentimenti li esprimo lì. Per il resto tendo a tenermi le cose dentro e ad aprirmi solo con poche persone.

L’intervista completa è disponibile su YouTube:

Rocío Muñoz Morales torna al centro del gossip dopo alcune dichiarazioni rilasciate durante un’intervista radiofonica.

Parlando della propria vita personale, l’attrice si è definita apertamente “una mamma single”, frase che ha immediatamente attirato l’attenzione del pubblico e degli osservatori del mondo dello spettacolo.

Secondo molti utenti e siti di gossip, le sue parole rappresenterebbero una conferma indiretta della fine della frequentazione con Andrea Iannone.

La relazione tra i due era diventata pubblica solo pochi mesi fa attraverso paparazzate e indiscrezioni, ma entrambi avevano sempre mantenuto grande riservatezza sul rapporto.

Nelle ultime settimane erano già emerse voci su un possibile raffreddamento della relazione, complice anche la diminuzione delle apparizioni pubbliche insieme.

Stando alle informazioni disponibili, non ci sarebbero tensioni particolari tra i due: la scelta sarebbe maturata in modo sereno, in un momento personale delicato per entrambi.

Per Rocío Muñoz Morales, infatti, la priorità continuerebbe a essere la famiglia e il lavoro, mentre Iannone sarebbe concentrato sui propri impegni professionali e personali.

Al momento non sono arrivate conferme ufficiali dirette sulla rottura, ma le dichiarazioni dell’attrice hanno inevitabilmente riacceso il dibattito mediatico attorno alla coppia.

Una ragazza minorenne è stata trasportata in ospedale dopo un’aggressione avvenuta nel pomeriggio dell’8 maggio all’interno del Parco Maddalena, nel quartiere Commenda di Rovigo.

Secondo le prime ricostruzioni, la studentessa sarebbe stata presa di mira da tre coetanee durante una lite degenerata rapidamente in violenza fisica. Alcuni presenti raccontano che la giovane sarebbe stata strattonata e colpita fino a cadere a terra, perdendo conoscenza.

Sul posto sono intervenuti i soccorsi sanitari, che hanno trasferito la ragazza al pronto soccorso. Dopo gli accertamenti medici, la minorenne è stata dimessa nelle ore successive.

Le ragazze coinvolte nell’aggressione si sarebbero allontanate prima dell’arrivo delle forze dell’ordine.

Secondo quanto emerge dalle testimonianze raccolte, il litigio sarebbe nato da questioni sentimentali legate a un coetaneo. Diversi adolescenti presenti nel parco avrebbero assistito alla scena.

Sull’episodio sono ora in corso verifiche per chiarire con precisione dinamica e responsabilità.

Sessant’anni di carriera non si raccontano: si attraversano. E i Pooh li hanno attraversati tutti, trasformando la musica italiana, anticipando linguaggi, portando innovazione nei live e affrontando temi sociali quando ancora non era consuetudine farlo. Oltre 100 milioni di dischi venduti, una produzione sterminata e, soprattutto, un legame generazionale che oggi si rinnova sotto i palchi, dove genitori e figli condividono lo stesso repertorio.

Alla vigilia delle celebrazioni per il sessantennale — un progetto che ripercorre una storia unica nel panorama musicale italiano — abbiamo incontrato la band per un confronto diretto, senza retorica, tra memoria, presente e visione.

1. In sessant’anni avete raccontato l’amore, la società, la solitudine, la libertà: se oggi doveste definire con una sola parola il senso profondo della vostra musica, quale sarebbe?
Crediamo siano le persone. Le persone, la vita di tutti i giorni, hanno sempre ispirato la nostra musica e le storie che abbiamo voluto raccontare in questi 60 anni.

2. Siete stati pionieri in tutto: nei live, nella tecnologia, nei temi sociali. C’è stato un momento preciso in cui avete capito di non essere solo una band, ma un pezzo di storia del Paese?
È un onore essere considerati un pezzo di storia del Paese, ma noi abbiamo sempre fatto semplicemente quello che sappiamo fare: esprimere noi stessi attraverso la musica. Abbiamo dedicato la nostra vita a questo e abbiamo ricevuto in cambio tutto l’amore possibile dal pubblico. Per noi è davvero un grande privilegio.

3. Le vostre canzoni hanno accompagnato intere vite: vi è mai capitato di sentirvi “custodi” dei ricordi degli altri, più che autori delle vostre stesse canzoni?
È bellissimo vedere come le canzoni possano attraversare il tempo e lo spazio. Quando sotto al palco vediamo genitori e figli, nuove generazioni che si tramandano la nostra musica, ci commuoviamo. In quei momenti capiamo di aver condiviso qualcosa di importante nelle loro vite. In un certo senso, c’eravamo anche noi.

4. Avete avuto il coraggio di parlare di temi scomodi quando nessuno lo faceva. Oggi, guardando indietro, pensate che la musica abbia ancora quella forza di cambiare la coscienza collettiva?
Assolutamente sì. Crediamo che la musica possa essere un mezzo potentissimo. Per noi lo è stato e speriamo possa continuare a esserlo anche per le nuove generazioni.

5. Il vostro è un viaggio umano prima ancora che musicale: cosa tiene unite quattro persone per così tanto tempo, attraversando epoche, successi e perdite?
Sicuramente una grande amicizia, ma anche gli stessi obiettivi e la stessa passione per quello che facciamo.

6. Quanto hanno contato, nel vostro percorso, figure come Valerio Negrini e Stefano D’Orazio nel definire l’identità emotiva della band che oggi il pubblico continua ad amare?
Sono state senza dubbio figure fondamentali nel nostro percorso. Autori e artisti straordinari, oltre che amici di una vita, che hanno incantato tutti con le loro parole. Li ricordiamo e li portiamo con noi in ogni occasione.

7. Se poteste tornare al 1966 e parlare ai ragazzi che stavano iniziando questa avventura, cosa direste loro prima di salire su quel primo palco?
Diremmo di non perdere mai di vista l’obiettivo, di fare tanta gavetta, di rimanere umili e continuare a lavorare con determinazione. E poi, sicuramente, di divertirsi.

8. I vostri concerti sono sempre stati esperienze, non semplici esibizioni. Cosa deve provare oggi una persona che entra a vedere “Pooh 60 – La nostra storia”?
Speriamo che si senta a casa, proprio come ci sentiamo noi quando saliamo sul palco. Vorremmo che il pubblico potesse rivivere insieme a noi le emozioni di questi 60 anni attraverso canzoni che, in qualche modo, hanno accompagnato anche le loro vite.

9. Dopo oltre 100 milioni di dischi venduti, il successo ha ancora lo stesso significato di un tempo, o oggi è qualcosa di più intimo e personale?
Oggi il successo rischia di essere più effimero, in una società in cui tutto corre molto velocemente. Un tempo lo si raggiungeva dopo tanta gavetta e lo si viveva più a lungo. Oggi arriva in fretta e rischia di andare via altrettanto velocemente.

10. Le nuove generazioni riscoprono le vostre canzoni: cosa vi sorprende di più nel modo in cui i giovani si avvicinano alla vostra musica?
Nella raccolta appena uscita, quattro band della musica italiana — Le Vibrazioni, Negramaro, Finley e Modà — hanno voluto renderci omaggio reinterpretando alcuni nostri brani storici. Per noi è un grande onore vedere come la nostra musica continui a influenzare le nuove generazioni. Abbiamo sempre cercato di portare messaggi positivi nei nostri testi e speriamo che arrivino anche a loro.

11. C’è una canzone del vostro repertorio che, più di tutte, vi rappresenta oggi — non ieri — come uomini prima ancora che artisti?
Le canzoni sono davvero tante ed è difficile scegliere, ma “Amici per sempre” dopo 60 anni insieme ci sembra quella più rappresentativa.

12. Se questa fosse davvero l’ultima intervista della vostra storia, quale messaggio vorreste lasciare a chi vi ha ascoltato, amato e accompagnato per sessant’anni?
Di non smettere mai di inseguire i propri sogni e di lavorare con dedizione e passione.

Una storia lunga sessant’anni che continua a parlare al presente. Non come celebrazione nostalgica, ma come testimonianza concreta di cosa significhi costruire, nel tempo, qualcosa che resiste. I Pooh non raccontano solo la loro storia: raccontano, ancora una volta, quella di chi li ha ascoltati

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Con “L’Imperatrice”, Beba costruisce il progetto più personale e simbolico della sua carriera. Un album che prende ispirazione dall’immaginario dei tarocchi per raccontare identità, trasformazione, dolore, rinascita e consapevolezza.

Ogni traccia è associata a una carta, trasformando il disco in un percorso narrativo che attraversa fragilità, forza e ricostruzione personale. Al centro c’è una nuova visione di sé: meno difensiva, più umana, più libera.

Nel corso dell’intervista, realizzata insieme a CredoSoloNelRap, Beba riflette sul rapporto tra vulnerabilità e controllo, sul peso delle aspettative nella scena urban e sull’importanza di restare autentici senza adattarsi a ciò che gli altri si aspettano.

“L’Imperatrice” diventa così non solo un concept album, ma anche una mappa emotiva che racconta una donna e un’artista nel momento in cui sceglie finalmente di ascoltare sé stessa.

“L’Imperatrice” è un titolo molto forte e simbolico: cosa rappresenta per te oggi questa figura?

“L’Imperatrice” per me rappresenta una donna che ha smesso di chiedere il permesso.

Non nel senso dell’ego o della superiorità, ma nel senso di stare finalmente nel proprio spazio senza ridursi per essere più accettabile. È una figura che crea, protegge, distrugge e ricostruisce. Dentro questo disco c’è tantissimo della mia femminilità, ma anche delle mie contraddizioni. Oggi mi sento meno in lotta con quello che sono.

L’album nasce anche da un immaginario legato ai tarocchi: quando è entrato questo mondo nella tua scrittura?

I tarocchi sono entrati nella mia vita in un momento in cui avevo bisogno di rileggere me stessa in modo più simbolico e intuitivo.

Mi affascinava il fatto che ogni carta contenesse possibilità diverse di interpretazione, conflitti e trasformazioni. Mi sono resa conto che stavo già scrivendo così, solo che non avevo ancora trovato l’immaginario giusto per dare ordine a tutto. Quando ho incontrato i tarocchi ho capito che erano la chiave narrativa perfetta per raccontare questo viaggio.

Ogni brano è associato a una carta: hai iniziato dalle canzoni o dal concept simbolico?

È successo tutto in modo abbastanza naturale e disordinato all’inizio.

Una volta selezionati i brani, ho iniziato a collegarli alle carte ed è stato come se i tarocchi avessero illuminato aspetti delle canzoni che forse nemmeno io avevo ancora messo completamente a fuoco.

Il disco è costruito come un viaggio, da “Il Matto” a “Il Mondo”: in che punto senti di essere oggi?

Credo di trovarmi in un punto sospeso tra “La Morte” e “Il Mondo”.

Negli ultimi anni ho lasciato andare tante versioni di me, alcune anche in modo doloroso. Però oggi sento di essere molto più vicina a una forma di completezza, o almeno di pace. Non credo si arrivi mai davvero alla fine del viaggio, ma mi sento più intera rispetto a qualche anno fa.

Nel disco affronti temi molto personali. Hai avuto paura di esporti troppo?

Sì, tantissime volte.

Ci sono brani in cui ho avuto paura di essere troppo fragile o troppo onesta, di non riuscire più a nascondermi dietro un personaggio. Però credo che a un certo punto la musica debba smettere di proteggerti e iniziare a dirti la verità. Ero stanca di fare solo la parte della persona forte. Volevo lasciare spazio anche alle crepe.

Parli spesso di equilibrio tra vulnerabilità e potere: oggi ti senti più in controllo o più disposta a perderlo?

Prima avevo bisogno di controllare tutto perché pensavo che perdere il controllo significasse perdere valore.

Oggi invece ho capito che anche lasciarsi attraversare dalle cose è una forma di forza. Mi sento più consapevole, ma anche più aperta all’imprevisto, alle emozioni e persino agli errori.

Dal punto di vista musicale, quanto è stato importante usare la voce come strumento emotivo?

Tantissimo.

In questo disco la voce non serve solo a dire qualcosa, ma a farla sentire. Ci sono momenti in cui volevo che fosse sporca, distante, quasi rotta, e altri in cui invece doveva essere diretta e vicinissima. Anche l’autotune, per me, non è mai stata una maschera ma un’estensione emotiva. Ogni scelta vocale aveva un significato preciso.

Rispetto ai tuoi lavori precedenti, cosa è cambiato di più nel tuo modo di scrivere?

Credo di essermi tolta molta armatura.

Prima sentivo il bisogno di dimostrare continuamente qualcosa: quanto fossi forte, tecnica, resistente. Oggi mi interessa di più essere vera. Anche accettare di non avere sempre una risposta o di non essere impeccabile. La mia scrittura è diventata meno difensiva e più umana.

Nel disco collabori con Jake La Furia, Omär e Nitro. Cosa hanno portato al progetto?

Hanno portato tre energie completamente diverse ma molto complementari.

Jake ha una presenza viscerale e cinematografica, Nitro una profondità emotiva e una scrittura che riesce sempre a spostarti qualcosa dentro, mentre Omär ha aggiunto una sensibilità elegante e contemporanea. Nessuno di loro è entrato nel disco da semplice ospite: ognuno ha lasciato un pezzo reale di sé dentro il progetto.

Quanto questo disco rappresenta una rinascita personale e artistica?

Tantissimo.

Questo disco è la fotografia di una ricostruzione. Ci sono stati anni in cui mi sono sentita distante da me stessa, dalla musica e dal motivo per cui avevo iniziato a fare tutto questo. “L’Imperatrice” è il momento in cui ho smesso di rincorrere un’idea esterna di successo e ho ricominciato ad ascoltarmi davvero.

Oggi cosa significa per te essere una donna nella scena urban?

Significa cercare di restare libera in un contesto che spesso prova continuamente a definirti, confrontarti o metterti in competizione.

Per anni ho sentito addosso aspettative molto precise su come una donna dovesse stare nella scena: quanto essere dura, quanto essere sensuale, quanto essere accettabile. Oggi per me essere indipendente significa soprattutto non tradire la mia voce per adattarmi a qualcosa.

Qual è la traccia che ti rappresenta di più in questo momento?

Sicuramente “Parole D’Odio”.

Credo che i nostri giudici più spietati siamo proprio noi stessi e questo brano è una lettera che ho scritto a me stessa.

Cosa scoprirà di nuovo il pubblico ascoltando questo disco?

È una mappa che aiuta a ritrovare qualcosa che io stessa avevo perso.

Dopo “L’Imperatrice”, qual è la prossima carta che senti di voler giocare?

Forse “La Stella”.

Perché dopo aver attraversato tanto buio, oggi sento il bisogno di qualcosa che abbia a che fare con la luce, con la fiducia e con una forma di serenità. Non intesa come perfezione, ma come possibilità di continuare a creare senza perdermi di nuovo.

A pochi giorni dall’inizio del nuovo tour, Emis Killa torna là dove tutto ha un altro sapore: i club. Dopo aver riempito palazzetti e firmato eventi imponenti come quelli al Forum e a Fiera Milano, la scelta di ripartire da una dimensione più intima non è casuale. Il Club Tour 2026, che ha già registrato diversi sold out – tra cui Padova e Milano – segna un ritorno all’essenza, a un contatto diretto con il pubblico e a una fase artistica più consapevole.

Sul palco porterà anche “Musica Triste”, il suo ultimo progetto: un disco nato senza compromessi, costruito seguendo istinto e identità più che logiche di mercato. Un lavoro che arriva dopo oltre due anni dal precedente e che si inserisce in una carriera lunga più di quindici anni, tra evoluzioni, successi e cambi di prospettiva.

In questa intervista, Emis Killa racconta il senso di questo ritorno, il rapporto con il pubblico, la sua crescita personale e quello che oggi significa, davvero, fare musica.

Negli ultimi anni hai celebrato traguardi importanti, tra Forum sold out e grandi eventi come EM15/EM16: cosa cambia per te tornare ora a una dimensione più “raccolta” dopo aver riempito spazi così imponenti? È una scelta anche artistica oltre che live?
Dopo aver fatto robe grosse come il Forum o i due eventi in Fiera a Rho, tornare nei club è una scelta anche artistica. Nei palazzetti sei più distante, c’è uno show più costruito, mentre nei club senti il pubblico vicino, vedi le facce, percepisci tutto. È più vero. In questo momento della mia carriera avevo bisogno di quella dimensione lì, più cruda e meno filtrata.
Ho scelto i club proprio perché sono molto più coinvolgenti, per me e per il pubblico: ci sentiamo tutti più vicini e, per la prima volta, il pubblico sarà anche parte attiva dello show.

“Musica Triste” arriva dopo un periodo di forte esposizione mediatica e collaborazioni molto trasversali: quanto è stato difficile restare fedele alla tua identità in una scena rap che oggi cambia così velocemente?
È difficile, sì, perché oggi cambia tutto alla velocità della luce e se non stai attenti rischi di inseguire le mode senza neanche accorgertene. Io però voglio rimanere coerente con quello che sono. “Musica Triste” nasce proprio da lì: zero compromessi e zero calcoli. Magari non è il disco più ‘facile’, ma è quello più sincero. E alla fine la gente quella cosa lì la percepisce, anche in mezzo a mille trend.
Nella mia carriera si inserisce come una perla: valorizza la mia scrittura e fortifica la mia credibilità. Se dovessi descriverlo con tre parole direi: triste, profondo, veritiero.

Guardando al tuo percorso, sei passato dal freestyle competitivo agli show internazionali: oggi cosa ti stimola ancora davvero a salire sul palco e metterti in gioco, dopo più di 15 anni di carriera?
La verità è che se salgo ancora sul palco dopo tutti questi anni è perché mi dà ancora qualcosa che non trovo altrove. Non è più la voglia di dimostrare, quella fase l’ho già passata. Oggi è più una questione personale: è uno spazio mio, dove posso essere libero.
Anche il modo in cui vivo il palco è cambiato: sono meno esagitato rispetto agli inizi, molto più lucido e soprattutto non ho più quell’ansia che avevo all’inizio. Oggi vivo tutto in modo molto più leggero.

Se dovessi guardare avanti, dopo questo tour e l’uscita di “Musica Triste”, senti di essere in una fase di consolidamento o di nuova ripartenza artistica? E in che direzione immagini evolverà il tuo suono?
Non la vedo né come un punto d’arrivo né come una ripartenza, è più un’evoluzione naturale. “Musica Triste” per me è proprio questo: un disco che valorizza la mia scrittura e rafforza la mia credibilità. Voglio continuare su quella direzione lì: meno costruzione e più sostanza. Non mi interessa inseguire qualcosa ma rendere tutto più vero.

Il tour europeo rappresenta una nuova tappa del tuo percorso: che tipo di esperienza ti aspetti fuori dall’Italia?
Lo vivo più come un’avventura che come una sfida. Un po’ come un Erasmus: un’esperienza per divertirmi e vivere qualcosa di diverso nella mia carriera. Ho anche pensato in passato di tradurre i miei testi in altre lingue, ma la verità è che credo che noi italiani siamo davvero credibili soprattutto quando manteniamo la nostra identità.

Tra club sold out, nuove date europee e un disco che punta tutto sulla sostanza, Emis Killa sembra aver trovato un equilibrio diverso: meno legato alla necessità di dimostrare e più concentrato sulla verità del proprio percorso. Un ritorno alle origini che non è nostalgia, ma consapevolezza. E forse è proprio da qui che nasce la sua fase più autentica.

Nel 2023 abbiamo incontrato Olly durante Il Mondo Gira Tour, in occasione dell’uscita di “Tutto Con Te”, singolo pubblicato il 9 giugno e pensato come chiusura ideale del cerchio aperto con l’album “Gira, il mondo gira”.

“Ho voluto raccontare la voglia di libertà generazionale, quel senso di voler vivere e sbagliare ma di non farlo da soli”, ci spiegava. In “Tutto Con Te” torna la sua cifra nostalgica, ma con una prospettiva diversa: accettare che esistano giorni sì e giorni no e che l’importante sia condividere emozioni e vissuti.

Rispetto agli inizi di “Io Sono”, Olly oggi si definisce cresciuto, non cambiato. La malinconia resta, ma cambia l’angolazione con cui osserva il mondo. È una maturazione emotiva più che stilistica.

Tra tour estivo, nuove date e il rapporto diretto con il pubblico, il percorso di Olly si muove tra introspezione e palco, tra radici musicali e nuove direzioni ancora da definire.

Intervista realizzata nel 2023 durante Il Mondo Gira Tour, in occasione dell’uscita di “Tutto Con Te”. Oggi la riproponiamo come parte del nostro archivio editoriale.

Cosa rappresenta per te “Tutto Con Te”?

Con “Tutto Con Te” ho voluto chiudere un cerchio iniziato con l’album “Gira, il mondo gira”.

Usando la cifra nostalgica di sempre ho raccontato la voglia di libertà generazionale, quel senso di voler vivere e sbagliare ma non farlo da soli.

Partendo dal presupposto che ci sono giorni sì e giorni no, penso che l’importante sia vivere e condividere le proprie emozioni e i propri vissuti con gli altri.

Se Olly di quando ha iniziato a fare musica ascoltasse questo brano, cosa penserebbe? Sarebbe fiero?

Direbbe di sì, che ne sarebbe fiero.

Per me è uno dei brani più riusciti di quest’estate. Non sono uno che ama farsi i complimenti da solo, però quando lo ascolto in radio mi prende molto bene.

Quanto pensi di essere cambiato da “Io Sono” a “Gira, il mondo gira”?

Sono sempre io, semplicemente sono cresciuto nel frattempo.

Come dico in “Tutto Male”, sono ancora quello triste di sempre, ma ho cambiato prospettiva. Ho cambiato punto di vista e cerco di vedere le cose da un’altra angolazione, ma il contenuto resta lo stesso: malinconia e nostalgia sono sempre presenti nei miei brani.

Qual è la musica che ha accompagnato la tua crescita?

Tantissima. Dal cantautorato della scuola genovese al rap.

E recentemente ho riscoperto Vasco Rossi. Sono sempre in fase di scoperta, sia della musica classica che di quella nuova, anche se oggi è difficile concentrarsi davvero sull’ascolto vista la quantità enorme di musica che esce ogni giorno.

Ad oggi, qual è la tua più grande paura?

Ne parlavo qualche giorno fa con Takagi, che ha lo studio sopra quello di JVLI, il mio produttore.

Gli stavo dicendo che, dopo Sanremo, dopo il disco e dopo il nuovo singolo estivo, non riuscivo a capire bene in che direzione stessi andando. Lui mi ha risposto: “deve essere sempre così, continua ad andare”.

Forse è questo il segreto: continuare ad andare avanti senza ossessionarsi dalla direzione.

In questo momento è in corso Il Mondo Gira Tour. Come ti senti e cosa vuoi dire ai fan?

Sono gasato. Ogni singolo show è incredibile.

Le date estive sono un modo completamente diverso di vivere i concerti rispetto a quelle indoor e ricevere questo tipo di affetto è sorprendente ogni volta.

Abbiamo appena annunciato la data al Fabrique di Milano, il 10 dicembre, che per me è un grande traguardo. Ho sempre visto tanti artisti su quel palco e arrivarci è un onore.

Ai fan vorrei dire che è bellissimo vederli cantare, divertirsi ed emozionarsi con me.

Il 21 luglio ti esibirai a Genova, la tua città. Sei emozionato?

Sì, molto.

Ho preparato una scaletta ad hoc non solo per ringraziare chi mi ha sostenuto, ma anche per creare momenti di unità e condivisione tra le persone che verranno.

Quello che spero di più, però, è di emozionarmi insieme al pubblico.

Nel 2023 abbiamo incontrato Chiello in occasione dell’uscita di “Mela Marcia”, un disco che rappresenta un nuovo passaggio nel suo percorso artistico, dalle origini con la FSK Satellite fino a una dimensione sempre più personale, emotiva e melodica.

Il primo brano scritto per il progetto è stato “Sparire”, una traccia che ha definito l’atmosfera emotiva dell’intero album. “Stavo vivendo nella parte più oscura della mia mente”, ci raccontava, descrivendo un processo creativo nato da un momento di forte introspezione.

Tra le influenze principali del disco emerge il grunge, scoperto negli ultimi anni e diventato centrale nella costruzione del suono di “Mela Marcia”. Un immaginario ruvido e diretto che accompagna una scrittura sempre più personale.

Alla domanda sugli obiettivi del disco, Chiello risponde senza filtri: spera che il progetto piaccia, ma anche che qualcuno lo rifiuti. Perché, secondo lui, un disco che piace a tutti rischia di perdere autenticità.

Intervista realizzata nel 2023 in occasione dell’uscita di “Mela Marcia”. Oggi la riproponiamo come parte del nostro archivio editoriale.

Qual è il primo brano che hai scritto e che, successivamente, ha dato il via alla creazione del disco?

Il primo pezzo che ho scritto è stato “Sparire”.

È il brano che ha guidato tutto l’approccio emotivo del disco. Non ricordo esattamente come sia nato, ma ricordo molto bene il periodo in cui l’ho scritto: stavo vivendo nella parte più oscura della mia mente.

Ti sei ispirato a qualcuno o a qualcosa durante la creazione di questo album?

Negli ultimi anni ho scoperto il grunge.

È un genere che mi ha segnato e ispirato tantissimo, e che ha influenzato molto anche questo disco.

Mentre lavoravi a “Mela Marcia” avevi un obiettivo preciso da raggiungere?

Più che un obiettivo, spero semplicemente che questo disco piaccia al pubblico.

Ma spero anche che a qualcuno non piaccia. La maggior parte delle persone è noiosa e, secondo me, se un disco piacesse a tutti non sarebbe davvero un successo.

Secondo te, cosa è cambiato dal periodo di “Oceano Paradiso” a oggi, con “Mela Marcia”?

Sono cambiate tantissime cose. Ho vissuto nuove esperienze e oggi mi sento una persona completamente diversa rispetto a quando uscì “Oceano Paradiso”.

Se il Chiello degli inizi ascoltasse questo disco, cosa penserebbe? Ne sarebbe fiero?

Sì, sarebbe fierissimo.

Mi piace la musica che sto facendo e sono molto soddisfatto del percorso che sto seguendo.

Guardando tutto il tuo percorso musicale: avresti mai immaginato un’evoluzione dalla trap verso una musica più melodica?

Ho iniziato a scrivere pensieri quando avevo nove anni.

Poi mi sono avvicinato al rap, ma in realtà ho sempre fatto musica melodica. È sempre stata una parte naturale di me. A un certo punto, però, quando ho deciso di pubblicare il mio primo disco, ho capito che non riuscivo più a esprimermi davvero attraverso la trap.

Chiello non sarebbe Chiello senza?

La musica.

Nel 2023 abbiamo incontrato Mecna in occasione dell’uscita di “Stupido Amore”, un album che già dal titolo lascia spazio a molteplici interpretazioni.

“È un modo per maledire l’amore”, ci raccontava. Un sentimento universale, potentissimo, capace di generare tanto slancio quanto sofferenza. Eppure, paradossalmente, questo è forse il suo disco che parla meno direttamente d’amore, pur essendone completamente attraversato. L’amore diventa un pretesto per porsi domande più profonde, personali ed esistenziali.

Dopo “Bromance”, il lavoro condiviso con Coco, Lvnar, Alessandro Cianci e la band rappresenta un’evoluzione importante nella costruzione del suono: più strumenti suonati, più stratificazione, una dimensione sonora più organica e collettiva.

Tra le collaborazioni spiccano Dargen D’Amico e Coez, due incontri nati spontaneamente in studio, mentre guardando al passato Mecna ricorda con particolare affetto il periodo di “Neverland” e la scoperta artistica di Sick Luke.

Intervista realizzata nel 2023 in occasione dell’uscita di “Stupido Amore”. Oggi la riproponiamo come parte del nostro archivio editoriale.

Hai chiamato il tuo nuovo progetto “Stupido Amore”. Per quale motivo?

È un titolo che, secondo me, si apre a tante interpretazioni ed è proprio questo che mi piace.

Per me è quasi un modo per maledire l’amore, qualcosa che tutti proviamo: un sentimento fortissimo che però, a volte, porta anche sofferenza. Nel disco uso l’amore come pretesto per parlare di molte altre cose e per farmi tante domande.

Forse è il disco che parla meno d’amore in senso diretto, ma allo stesso tempo è quello in cui ce n’è di più.

Com’è stato l’ultimo anno che ha separato “Bromance” da “Stupido Amore”?

Dopo il tour con Coco ci siamo chiusi in studio insieme a Lvnar, Alessandro Cianci e al resto della band.

Abbiamo lavorato tantissimo sul suono, perché volevamo creare un disco che rappresentasse un passo avanti rispetto ai precedenti. Ho sempre amato la contaminazione elettronica nella mia musica, ma sentivo fosse arrivato il momento di inserire più strumenti suonati.

Con la mia band ormai esiste un legame artistico forte e volevo che questa sintonia entrasse completamente nel disco.

Com’è stato collaborare con Dargen D’Amico e Coez?

Fantastico. Sono due artisti con cui avevo voglia di collaborare da tantissimo tempo.

Con entrambi ci siamo trovati direttamente in studio. Coez ha scritto una strofa incredibile davanti a me nel giro di pochi minuti. Dargen, invece, è riuscito a portare dentro il brano esattamente lo spirito che cercavo, facendolo alla grande.

Qual è stato il brano di “Stupido Amore” più difficile da scrivere?

Probabilmente “Oceano Adriatico”, soprattutto perché l’ho scritto in due momenti completamente diversi.

È uno sfogo, una sorta di stream of consciousness, ma nato in tempi differenti. Quando ho dovuto riprendere in mano il pezzo per continuarlo, non sapevo davvero dove mi avrebbe portato emotivamente.

Per me, in generale, il problema è sempre l’inizio. Una volta superato quello, poi tutto scorre.

Guardando tutta la tua discografia, qual è stata la collaborazione che ti ha lasciato di più?

Forse il periodo di “Neverland” resta uno dei più belli in assoluto.

La scoperta umana e artistica di Sick Luke mi ha dato tantissimo. Ci siamo divertiti davvero molto e sembrava di fare musica insieme da sempre.

Se potessi dare un consiglio al Mecna del 2013, quale sarebbe?

“Vai per la tua strada, bro. È l’unica giusta.”

Se dovessi scegliere un disco, un film e un libro che possono aver influenzato questo album, quali citeresti?

Non ce n’è uno preciso, però posso sicuramente citare “Let’s Start Here” di Lil Yachty. È uscito proprio mentre eravamo nel pieno della scrittura del disco e ci ha colpiti tantissimo.

In qualche modo ci ha rassicurati vedere un artista come lui pubblicare un disco così suonato, così libero e trascinante.

Con tutte le differenze del caso, è esattamente il tipo di approccio che abbiamo provato a portare anche noi, almeno dal punto di vista musicale.

Nel 2023, negli uffici di Sony Music Italy, abbiamo incontrato Fasma in occasione dell’uscita di “Ho Conosciuto La Mia Ombra”, un album che segna un’evoluzione importante nel percorso artistico del cantautore romano, tra influenze urban, rock ed elettroniche.

Un progetto nato dal confronto con le proprie ombre interiori e costruito come un vero concept album, capace di attraversare temi come paura, amore, bisogno, rifiuto e identità. “La luce non è felicità, ma accettazione”, ci raccontava, descrivendo un percorso personale ancora in corso, fatto di ricerca e comprensione di sé.

Attraverso la musica, Fasma prova a recuperare emozioni che nella vita quotidiana rischiano di perdersi, trasformando il dolore e la vulnerabilità in strumenti narrativi. Un disco che parla prima di tutto a chi ascolta, invitando a non avere paura di guardarsi dentro.

Intervista realizzata nel 2023 in occasione dell’uscita di “Ho Conosciuto La Mia Ombra”. Oggi la riproponiamo come parte del nostro archivio editoriale.

Hai affermato che, per creare questo disco, hai incontrato la parte più buia di te, l’hai affrontata con paura e alla fine hai portato la luce. Com’è stato questo viaggio?

Sono ancora in viaggio.

La luce non è intesa come il raggiungimento della felicità, ma piuttosto come l’accettazione di una realtà. Credo che questa sia la base per affrontare determinate situazioni e comprendere meglio l’esistenza.

Quando ho iniziato a lavorare a questo album ero in un momento in cui sentivo il bisogno di portare me stesso dentro un mondo nuovo, quello del concept album.

Nella tua musica riesci a collegare tematiche come paura e amore, bisogno e rifiuto. In quali di queste emozioni ti rispecchi maggiormente?

Sicuramente nell’altalenarsi continuo tra dolore e amore. Vivo costantemente dentro queste due emozioni.

Il fatto di riuscire a inserirle nella mia musica mi permette davvero di viverle. Nella vita reale spesso non riesco a trattenerle dentro la mia sfera emotiva, mentre attraverso la musica riesco a recuperarle e a comprenderle meglio.

Con l’uscita di “Ho Conosciuto La Mia Ombra” sei arrivato al tuo terzo album. Quale pensi che resterà di più nel cuore dei tuoi fan?

Il prossimo.

Qual è il messaggio che vorresti trasmettere con questo disco?

Di non avere paura di guardarsi dentro.

Che consiglio daresti a un artista emergente che sogna di arrivare al grande pubblico?

Avere tanta fame.

La fame può portare una persona dove il talento, da solo, non riesce ad arrivare. Il talento è una fortuna, mentre la fame è una conquista.

Ogni ragazzo dovrebbe imparare a gestire le proprie emozioni per riuscire a essere davvero sé stesso all’interno del panorama musicale.

Descrivi la tua musica a chi non ti conosce usando tre parole.

Non si può.

Nel 2023, negli uffici di Sony Music Italy, abbiamo incontrato Nitro in occasione dell’uscita di “OutSider”, il suo nuovo album arrivato a tre anni di distanza dall’ultimo progetto.

“È il disco a cui ho lavorato più duramente di tutta la mia carriera”, ci raccontava. Un processo creativo estremo: oltre cinquanta brani scritti, una selezione finale di quattordici tracce e due ripartenze complete prima di arrivare alla forma definitiva del disco.

“OutSider” attraversa influenze diverse — dal rock alla dancehall fino al nu metal — restituendo tutte le sonorità che hanno accompagnato Nitro durante la crescita. Un progetto che guarda anche alla nuova scena italiana, tra collaborazioni emergenti e il desiderio di restituire alle nuove generazioni il supporto che lui stesso aveva ricevuto agli inizi.

Tra i brani più personali dell’album c’è “Ti Direi”, una traccia emotivamente complessa, dedicata a una persona che ha conosciuto tanto i lati migliori quanto quelli più difficili dell’artista.

Intervista realizzata nel 2023 in occasione dell’uscita di “OutSider”. Oggi la riproponiamo come parte del nostro archivio editoriale.

In “Rap Shit”, brano contenuto in “GarbAge”, dicevi di voler fare “il disco del secolo”. Pensi che “OutSider” possa esserlo?

Sì, “OutSider” è il disco a cui ho lavorato più duramente in tutta la mia carriera.

Ho ricominciato questo progetto due volte e scritto più di cinquanta brani per poi selezionarne soltanto quattordici. Nei dischi precedenti magari avanzavano quattro o cinque tracce, ma qui c’era una parte che non mi soddisfaceva davvero, quindi ho deciso di scartarla completamente e ripartire da zero.

È stato un processo molto difficile, però oggi sono davvero contento del risultato.

I brani che non sono rientrati nel disco verranno pubblicati in futuro oppure resteranno inediti?

In qualche modo tutto verrà pubblicato o riutilizzato.

Se una canzone non la sento mia, semplicemente non la scrivo. Quindi anche il materiale che non è entrato nel disco troverà spazio in altri contesti.

Nel disco si percepisce una forte influenza rock. Ci sono altri generi che vorresti sperimentare in futuro?

Dentro “OutSider” c’è anche tanta dancehall e nu metal. Sono tutti generi con cui sono cresciuto e che mi hanno cambiato la vita quando ero ragazzino.

Con questo disco ho voluto riportare dentro la mia musica tutte quelle influenze che mi hanno formato artisticamente.

Tra i featuring troviamo molti artisti emergenti, oltre a nomi più consolidati come Ernia. Com’è stato lavorare con la nuova scena?

I ragazzi della nuova scena mi piacciono molto. Durante la mia carriera sono sempre stato un po’ un talent scout e ho cercato di supportare gli artisti più giovani.

Per tanti anni sono stato io il più piccolo nei dischi degli altri, quindi oggi mi piace l’idea di restituire quella stessa opportunità alle nuove generazioni, proprio come i grandi l’hanno data a me.

Qual è il brano che ti rende più fiero dell’intero disco?

“Ti Direi”.

È il pezzo con cui ho avuto più difficoltà, non tanto a livello sonoro quanto emotivo. È una canzone dedicata a una persona che ha visto sia i miei lati migliori che quelli peggiori, riuscendo comunque ad accettarli.

Per questo motivo è probabilmente uno dei brani che rappresentano di più l’anima del disco.

Nel gennaio 2023, negli uffici di Sony Music Italy, abbiamo incontrato Rose Villain in occasione dell’uscita di “Radio Gotham”, il suo primo album ufficiale. Un progetto che rappresenta un punto di svolta nel suo percorso artistico: identitario, cinematografico, stratificato.

Durante la conferenza stampa, l’artista ci ha raccontato la genesi del disco, nato in maniera spontanea e solo successivamente trasformato in un concept preciso. “Radio Gotham” è prima di tutto un tributo a New York — città in cui vive da oltre dodici anni — ma anche un manifesto sonoro che mescola rock e rap anni ’90, lontano dalle influenze immediate del mainstream contemporaneo.

“Per ogni singolo cerco di non ascoltare musica attuale, ho paura di essere influenzata”, ci aveva raccontato. Un approccio controcorrente che guarda al passato per costruire qualcosa di personale e riconoscibile.

Intervista realizzata il 20 gennaio 2023, giorno di uscita di “Radio Gotham”. Oggi la riproponiamo come parte del nostro archivio editoriale.

C’è un artista o un genere che ti ha ispirato per la produzione di questo album?

Per ogni singolo cerco di non ascoltare musica attuale, perché ho sempre paura di essere influenzata dai trend e dai pezzi che passano continuamente in radio.

Nel disco si sente molto l’influenza del rock e del rap anni ’90. Preferisco ascoltare musica del passato e artisti stranieri. Uno degli artisti a cui mi sento più vicina è sicuramente Juice WRLD.

Qual è il concept che si cela dietro al titolo e, più in generale, a “Radio Gotham”?

Il progetto è nato in modo completamente spontaneo. Credo che il concept sia arrivato quasi alla fine del processo.

Io ho l’abitudine di scrivere tantissimo e molto spesso. Col tempo mi sono resa conto che la mia musica stava prendendo una direzione sempre più precisa.

Il nome “Radio Gotham” nasce come tributo a New York, la città in cui vivo da dodici anni e che mi ha formata tantissimo. Mi piaceva anche l’idea della radio come qualcosa di imprevedibile, dove puoi innamorarti all’improvviso di una canzone che non avevi mai sentito prima.

Restando sul legame con New York: perché nel disco non hai inserito brani in inglese?

Perché ho notato che in Italia, tendenzialmente, i brani in inglese fanno più fatica a entrare davvero nel cuore delle persone.

Secondo me i grandi featuring internazionali che fanno molti artisti sono molto interessanti, ma spesso rischiano di rimanere più un esercizio di stile che qualcosa di realmente vicino al pubblico.

Se dovessi scegliere un featuring internazionale da inserire in un tuo progetto, chi inviteresti?

Nel rap direi Jay-Z.

Ma mi piacerebbe molto collaborare anche con artisti rock. Uno su tutti? Mick Jagger.

Qual è il brano dell’album che non vedevi l’ora di portare live?

“Michelle Pfeiffer” è uno sballo da fare live, secondo me farà ballare tutti.

E poi “Monet”, perché voglio incantare le persone che lo ascolteranno sotto al palco.

Con la terza stagione di “Gli occhi del musicista”, Enrico Ruggeri continua il suo viaggio dentro la musica italiana trasformando ogni puntata in uno spazio di racconto, confronto e ascolto. Un programma che unisce memoria e contemporaneità, evitando la nostalgia fine a sé stessa per cercare invece connessioni vive tra passato e presente.

Tra ospiti provenienti da mondi diversi, performance dal vivo e riflessioni sulla funzione culturale della musica, Ruggeri costruisce un racconto che mette al centro le storie, le emozioni e il valore dell’autenticità. In questa intervista ci parla del senso del programma, dell’importanza del “servizio pubblico”, del ritorno in vinile di “Gli occhi del musicista” e di cosa significhi oggi fare musica senza perdere la propria identità.

“Gli occhi del musicista” è tornato per la terza stagione: che cosa hanno visto oggi i suoi occhi che forse non riuscivano ancora a mettere a fuoco nelle prime due?

Niente che non sapessi: la musica italiana continua a proporre progetti interessanti. Ogni volta che ne ho la possibilità cerco di proporre artisti che meritano attenzione e spazio.

Il programma attraversa la storia della musica italiana, ma lo fa evitando la nostalgia sterile. Quanto è difficile raccontare il passato senza trasformarlo in un museo e farlo invece dialogare con il presente?

È difficile, ma mi vengono in soccorso canzoni che sembrano scritte ieri e che permettono di aprire discorsi ancora molto attuali.

Poi la band pensa al resto.

La prima puntata è stata dedicata al “viaggio”: fisico, interiore, artistico. Se dovesse scegliere un solo viaggio che ha cambiato per sempre il suo modo di scrivere canzoni, quale sarebbe?

Sicuramente i viaggi a Londra fatti da ragazzo. Sono stati fondamentali perché mi hanno permesso di vedere concerti che mi hanno aperto la mente.

Tra gli ospiti convivono mondi apparentemente lontani: Irene Grandi, Violante Placido, Adriano Panatta. Che cosa la affascina di più quando mette in relazione linguaggi così diversi sotto il cappello della musica?

Cerco sempre ospiti che abbiano molte cose da raccontare, provando a portarli fuori dai binari tradizionali attraverso cui il pubblico li conosce.

Più sono diversi tra loro, più la narrazione e l’intervista ne guadagnano.

La puntata su “Gli ultimi” ha affrontato un tema delicato e necessario. Crede che oggi la musica abbia ancora il dovere — o il coraggio — di dare voce a chi resta ai margini?

La musica — quella di cui stiamo parlando e non quella che semplicemente “funziona” oggi — ha sempre avuto un ruolo sociale importante.

Ha aperto finestre su mondi sommersi e raccontato storie di persone che altrimenti non avrebbero lasciato un segno nelle nostre coscienze.

Lei alterna il ruolo di narratore, musicista e conduttore. Quanto c’è di Enrico Ruggeri uomo, prima ancora che artista, nel modo in cui ascolta e guida i racconti degli ospiti?

La qualità che gli ospiti mi riconoscono più spesso credo sia l’empatia.

Unita alla curiosità, può creare una narrazione che mostra molti aspetti della vita di tutti noi, oltre a quella delle persone che vengono ospitate nel programma.

In studio c’è una band vera, che suona dal vivo e respira con gli ospiti. In un’epoca sempre più digitale, quanto è diventato “rivoluzionario” difendere l’imperfezione e l’energia del suono suonato?

La mia band è il vero valore aggiunto del programma.

Noi suoniamo le canzoni come se fossimo a un nostro concerto, con uno stile preciso ma sempre nel rispetto dell’artista che ospitiamo in quel momento.

“Gli occhi del musicista” è anche un programma di Rai Cultura. Pensa che oggi la televisione pubblica abbia ancora lo spazio — e la responsabilità — di educare all’ascolto, oltre che all’intrattenimento?

Sarò forse troppo ottimista, ma per me le parole “servizio pubblico” rappresentano ancora un impegno preciso che ho preso con la Rai e con i telespettatori.

La sfida è sempre la stessa: riuscire a coniugare cultura e divertimento.

Dopo vent’anni torna in vinile l’album “Gli occhi del musicista”. Che effetto le fa vedere un lavoro del 2003 tornare a parlare a un pubblico nuovo, in un formato che chiede tempo, attenzione e silenzio?

Mi fa molto piacere condividere con chi mi segue delle canzoni che, a più di vent’anni di distanza, continuano a sembrarci attuali ed efficaci.

Il vinile, con il suo ascolto più meditato, è il formato perfetto per questo tipo di operazione, che non ha nulla di nostalgico.

Guardando al suo percorso, tra musica, scrittura e televisione: se oggi un giovane artista le chiedesse come si sopravvive senza perdere la propria identità, quale sarebbe la prima verità — magari scomoda — che gli direbbe?

Gli direi che deve scegliere.

Può partecipare alla lotteria di chi prova soltanto ad assecondare i gusti più bassi oppure decidere di scrivere e cantare musica di valore, accettando però tutti gli enormi rischi che questa scelta comporta.

C’è un momento, racconta Mostro, in cui il rumore del mondo si spegne e resta solo il suono dei propri pensieri. È da lì che nasce “Metallo e Carne”, un disco che non guarda più in orizzontale ma sceglie la verticalità, la profondità, l’immersione totale. Un progetto che abbandona la cronaca del quotidiano per trasformarsi in esplorazione interiore, naufragio cosmico, attraversamento di sé.

Dopo il tour di “The Illest Vol.3”, l’artista ha vissuto un lungo periodo di sospensione creativa, segnato dalla necessità di isolarsi dagli stimoli esterni per ritrovarli dentro di sé. Da quella fase nasce un album che mette al centro il contrasto tra materia e coscienza, tra corpo e mente, tra ciò che è tangibile e ciò che resta invisibile.

In questa intervista, Mostro racconta il processo creativo dietro “Metallo e Carne”, il rapporto con la pressione e le aspettative, il silenzio discografico degli ultimi anni e il ruolo della scrittura come forma di conoscenza personale e catarsi.

Il nuovo album si intitola “Metallo e Carne”. Lo hai descritto come il progetto più intimo e immaginifico della tua carriera. Che tipo di viaggio hai affrontato per arrivare a scrivere questo disco? E cosa rappresentano per te il “metallo” e la “carne”?

Il concept nasce da una domanda implicita ma sempre potente: cosa succede se ci lasciamo precipitare dentro noi stessi, senza paura e senza meta?

È lì che il corpo diventa un veicolo, quasi un’astronave, mentre la coscienza diventa il cosmo. “Metallo e Carne” è l’unione di questi due elementi: da una parte la componente tangibile, fisica, cruda; dall’altra quella invisibile, mentale, misteriosa.

Il disco racconta un viaggio che non cerca risposte definitive, ma si nutre delle domande, dei processi e delle trasformazioni. La differenza principale rispetto ai miei lavori precedenti è proprio questa: prima i miei dischi seguivano un asse più orizzontale, legato alla quotidianità, alla società, alla carriera. “Metallo e Carne”, invece, si muove in verticale e sceglie la profondità.

In “Metallo e Carne” parli di un naufragio cosmico, di un viaggio interiore senza meta. Quando ti sei reso conto di voler affrontare un disco così introspettivo, senza pensare all’esterno ma solo a te stesso?

Dopo il tour di “The Illest Vol.3” ho attraversato quasi un anno in cui avevo la sensazione che la realtà intorno a me non fosse più in grado di darmi gli stimoli necessari per raccontarmi.

Ho iniziato a percepire una sorta di esaurimento, non personale, ma come se il mondo intorno a me si fosse svuotato della propria energia e ogni cosa avesse perso colore. Così ho iniziato a chiudermi sempre di più dentro me stesso, finché l’unico modo per uscirne è diventato attraversarmi.

Credo che sia stato proprio lì che è iniziato davvero il processo creativo del disco.

Discograficamente parlando, dall’uscita di “Ogni Maledetto Giorno” c’è stata una release importante ogni anno fino al 2020, poi un momento di silenzio. Ti va di raccontarci cosa è successo in quei tre anni? E cosa ti ha riportato in studio?

Il 2020, con l’inizio della pandemia, ha rappresentato uno dei principali fattori di rallentamento: non avevo più la possibilità di mettere in pratica il mio lavoro come prima.

In più, in quel periodo ho affrontato un passaggio molto importante della mia carriera, cioè il cambio di etichetta: sono passato da una realtà indipendente a una major come Sony. Anche quello è stato un processo lungo, che ha richiesto tempo per essere metabolizzato e costruito nel modo giusto.

Tra la lavorazione di “The Illest Vol.3”, il cambio di etichetta e tutto quello che è successo con il Covid, il tempo è semplicemente diventato più lungo del previsto.

Negli ultimi anni si parla molto di salute mentale nel mondo della musica. Come vivi personalmente il rapporto con la pressione, le aspettative e il successo?

Non è facile mantenere un equilibrio tra tutte queste cose: il successo, le aspettative, le cose che non vanno come avevamo immaginato. Però forse è proprio questo uno degli aspetti che più mi affascina del fare musica.

La musica mi ha insegnato la necessità di immergermi completamente nelle cose e di accettarle al cento per cento. Se ancora oggi provo ansia prima di un concerto, se sento pressione o aspettative, per me sono segnali positivi.

Vuol dire che mi importa ancora davvero di quello che faccio, che ne sono ancora innamorato. Credo che l’ansia sia spesso una forma diversa della preoccupazione, ma anche una manifestazione d’amore verso ciò in cui investiamo noi stessi.

Sei sempre stato considerato uno degli artisti più autentici del rap italiano. Cosa significa per te essere autentico oggi, in un’epoca dove tutto sembra così veloce e superficiale?

Per me essere autentico oggi ha lo stesso valore che aveva dieci o vent’anni fa. Facciamo un genere musicale che premia moltissimo la personalità, quindi essere sé stessi è fondamentale.

E nel momento in cui lo sei davvero, diventi automaticamente originale, perché ognuno di noi è unico a modo suo. Finché racconti la tua realtà e condividi quello che vivi veramente, le persone percepiscono la tua autenticità. Ed è proprio lì che nasce il legame con chi ti ascolta.

Nei tuoi testi affronti spesso temi esistenziali, conflitti interiori, dolore e crescita. Quanto conta per te la scrittura come strumento di guarigione personale?

La scrittura è sicuramente lo strumento principale che ho per conoscermi, comprendermi e raccontarmi. Sono sempre stato un artista che attinge molto dalla propria sfera emotiva.

Mi interessa portare alla luce anche gli aspetti più oscuri della personalità, quelli meno esposti, perché per me è un processo necessario. Mi serve a capire meglio chi sono.

È un elemento fondamentale non solo del mio modo di scrivere, ma proprio della mia identità. Attraverso i testi ho imparato tantissimo su me stesso e, in alcuni casi, ho avuto anche la possibilità di aiutare altre persone.

Sono consapevole di fare un genere musicale che può avere una funzione catartica, e questa cosa per me ha un valore enorme.

Se potessi lasciare un messaggio al Mostro che ha iniziato questo percorso anni fa, quale sarebbe?

Gli direi semplicemente: vai avanti.

Credo sia il messaggio più importante che si possa dare a qualcuno, perché in fondo non credo molto nei consigli. Alcune cose bisogna viverle per forza.

Anche se potessi incontrare davvero il me del passato e dirgli cosa fare o non fare, so che certi errori li rifarei comunque. Però una cosa gliela direi con certezza: vai avanti, perché ce la stiamo facendo.

Per chiudere: cosa vorresti che chi ascolta questo album portasse con sé una volta terminato il viaggio?

La mia ambizione per questo disco — come per tutti i miei dischi — è che chi lo ascolta si senta ispirato.

Vorrei che lasciasse addosso la voglia di rialzarsi, uscire di casa e fare qualcosa di buono per sé stessi.

Sinceramente, questa è la mia aspirazione più grande.